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Historia de la literatura española. La poesía renacentista.

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La lírica renacentista.

Las formas y el espíritu italianos en la poesía española. Garcilaso de la Vega

Introducción

El Renacimiento supuso el nacimiento del hombre  a una nueva espiritualidad centrada en el hombre.  Un ejemplo clarividente de esta nueva concepción del ser humano lo encontramos en el famoso Discurso sobre la dignidad del hombre de Pico de la Mirándola. En ese período histórico-cultural, Pico de la Mirándola compone su Discurso sobre la dignidad del hombre. En él se esboza un ser humano libre, con una capacidad inusitada de conocimiento, un ser  privilegiado al que Dios coloca en el centro del mundo: "No te hemos dada una ubicación fija, ni un aspecto propio, ni peculio alguno, ¡oh Adán¡, para que así puedas tener y poseer el lugar, el aspecto y los bienes que, según tu voluntad y pensamiento, tu mismo elijas. La naturaleza asignada a los demás seres se encuentra ceñida por las leyes que nosotros hemos dictado. Tú, al no estar constreñido a un reducido espacio, definirás los límites de tu naturaleza, según tu propio albedrío, en cuyas manos te he colocado. Te he situado en la parte media del mundo para que desde ahí puedas ver más cómodamente lo que hay en él. Y no te hemos concebido como criatura celeste ni terrena ni mortal ni inmortal, para que, como arbitrario y honorario escultor y modelador de ti mismo, te esculpas de la forma que prefieras.  Podrás degenerar en los seres inferiores que son los animales irracionales o podrás regenerarte en los seres superiores que son los divinos, según la voluntad de tu espíritu"

 Según esta concepción el hombre es el único ser de la naturaleza que tiene poder para forjarse a sí mismo, para crearse o destruirse. A esa capacidad creativa se uniran toda una serie de transformaciones sociales, políticas, económicas...que afectara a todos los ámbitos.

El feudalismo se transformará en un incipiente capitalismo, el poder se concentrará en el Estado, la virtud se revalorizará frente al linaje. Se recupera todo el pensamiento clásico ( neoplatonismo, epicureismo, estoicismo) que impulsará el propio concepto de la belleza y el estudio de las Humanidades y sobre todo surgirá una nueva espiritualidad,   el auge de los estudios biblícos desde una perspectiva nueva que revolucionará la iglesia  provocando una Reforma y una Contrareforma.

  

Rasgos definitorios del movimiento humanista

  Los rasgos definidores del nuevo movimiento serían: concepción antropomórfica de la realidad, racionalismo,  individualismo y pensamiento burgués. Los humanistas del Renacimiento lucharán, a la vez, por una recuperación de la lengua y literatura grecolatinas, por la vuelta de la filosofía griega, que suponía un rechazo a la Escolástica y al Tomismo y por un conocimiento directo de las fuentes del Antiguo y Nuevo Testamento.

Los grandes maestros humanistas ( Pico de la Mirandola, Vives, etc.) estaban convencidos de que la recuperación del conocimiento de la lengua y literatura clásicas iba a proporcionar una educación integral del individuo,  que repercutiría necesariamente en el bienestar de la comunidad.

El concepto de humanista se aplicaba ya en 1492 a aquellos que enseñaban o cultivaban los "studia humanitatis". El saber se convierte en requisito indispensable del hombre renacentista,  prototipo al que Baltasar Castiglione dio perfil literario.

Esa transformación convierte a la eloquentia ( gramática, retórica,  filología)  en el núcleo de toda la cultura. Saber latín será el pilar,  la base de los studia humanitatis. Se entiende que el escritor debe ser como la abeja que,  libando en muchas flores, elabora su propia miel.  En el romanticismo, se impondrá la originalidad como meta a la que aspirar. En la Edad de Oro, el escritor no pretende ser original, como el gusano de seda, que elabora sus hilos sacándolos de sí, sino imitadora abeja, que supone haber leído a los clásicos, y, por tanto, saber latín, ser docto.

  En esa búsqueda de  perfección el hombre debe reunir todas las cualidades, debe ser ducho en armas y letras; un hombre que practica un neoestoicismo,  que sabe que la fuerza está en sí mismo puesto que él mismo es el artífice de su propio destino.

La poesía renacentista  y las corrientes filosóficas en boga.

La poesía, uno de los géneros cultivados del Renacimiento, se caracteriza por el anhelo humanista de vida perfecta en la que  la realidad y el tiempo se anulan en un plano ideal de  contemplación de la Naturaleza que cobra vida.

A través de la contemplación de la naturaleza  el alma asciende a la belleza pura, a la belleza en si misma y a Dios. La mujer, el arte y la naturaleza se consideran los caminos por los que la contemplación del alma asciende a la belleza pura. El amor pasa de ser una experiencia sensual a convertirse en un proceso de aprendizaje para poder llegar a una mejor compresión del Universo. Para los poetas y artistas la teoría neoplatónica fue tanto una fuente de justificación de su arte como una fórmula de creación.

El Neoplatonismo se convirtió en una apología del arte y en especial de la poesía, ya que se consideraba que el arte representaba el anhelo y el esfuerzo del hombre por alcanzar la perfección. Partiremos de dos conceptos del platonismo, los conceptos de ser y conocimiento para el entender el amor.

"El ser de las ideas o ser verdadero no se encuentra en las cosas sino fuera de ellas".

El conocimiento se concibe como un recordar lo que ha visto, teoría de la reminiscencia. En El Banquete el amor es entendido como una fuerza cósmica, responsable de la armonía de todos los fenómenos, tanto en el hombre como en al Naturaleza. El amor se entiende como el deseo de la belleza, y  La belleza pasa a convertirse en la  mediadora entre el mundo sustancial y lo sensible.

Por otra parte es importante entender que durante este periodo se produjo un sincretismo de corrientes filosóficas. En esa síntesis hallamos no sólo el platonismo, sino también el pitagorismo, la doctrina de Filón de Alejandría, influido por las religiones orientales y el cristianismo. Además apreciamos la influencia del panteísmo.

  El mundo  es visto como emanación de la divinidad, todo procede de ella. Con anterioridad la concepción de Dios era negativa, pues Dios era lo que no era el mundo y sólo místicamente, podía ser contemplado.  La naturaleza era algo secundario que derivaba de Dios. Ahora si Dios es la armonía y está inminente en la Naturaleza, ésta es armónica también y por eso el amor se convierte también en un principio armónico.

 

En  un autor como Dante, representante aún  de la Edad Media el amor es ya un instrumento de renovación del poeta. En La Divina comedia la renovación va más allá del poeta, se pretende entender el mundo en su totalidad.  Por eso el dolce stil nuovo propone que  el poema no surge por una fría elaboración doctrinal sino por la inspiración del amor.

A partir de la concepción del dolce stil nuovo se reelaboran los temas poéticos:

a) El amor ya no parte de la idea trovadoresca del vasallaje, propia de la cultura feudal, sino de la gentileza que es una cualidad del espíritu, que reside en la virtud individual.

b) La dama ya no es vista como una señora que domina el corazón del poeta, sino como una angélica criatura, una luciente estrella,  que provoca en el corazón del hombre un deseo de belleza, bondad y perfección moral, o sea, una aspiración hacia el Sumo Bien.

c) La descripción del estado de ánimo del poeta que oscila entre su ensimismamiento ante la excelencia de la dama y el temor de verse privado de su gracia.

Ideas platónicas y neoplatónicas de Garcilaso:

 

a) La Armonía del Universo, que proporciona belleza y felicidad. El dolor es el símbolo del desconcierto, el enemigo del orden.

b) El amor como origen de todas las cosas. El amante debería transformarse, convertirse en la cosa amada.

c) La creencia en la belleza en si.

d) El amor es la fuerza independiente que actúa  y concede bienes de índole moral.

 Otra corriente clásica - en este caso El estoicismo- también  sitúa al hombre en el centro del universo. La ética estoica busca la felicidad en el ejercicio de la virtud. El hombre conseguirá ser feliz siendo sensible a las adversidades y reduciendo las necesidades.

Durante  la Edad Media la fortuna se supedita a Dios, ahora  se vuelve al concepto pagano. Ante la fortuna el hombre esgrime conceptos como razón y virtud.  En Garcilaso se  distingue entre hado, destino y suerte de un lado y fortuna de otro. Los primeros sujetos a leyes inmutables, la segunda no se rige por nada, sino que es  arbitraria.

 Por otro lado se entiende que el dolor es sinónimo de desorden. Se exalta la fortaleza que debe poner freno al amor. En esta concepción del amor ideal la ira, la inquietud o el amor ciego son conceptos perturbadores que no deben aparecen  en el ideal de serenidad, melancolía... que son bases del amor petrarquista

El amor,  influido por los diversos sistemas filosóficos, se proyecta como culto y servicio; la  poesía como instrumento de indagación del alma. La atención al individuo explica el análisis psicológico subjetivo a que se somete la pasión amorosa.

La idealización de la Naturaleza aparece también subrayada por el contraste a los vicios de la Corte, el mito de la Arcadia Feliz. Esta corriente, que proviene sobre todo de Boccaccio y Sannazaro, hinca sus raíces en la tradición clásica: Virgilio, Horacio ,Ariosto, Ovidio. El poeta  buscará la perfección,  para lo cual se deja empapar de neoplatonismo,  de bucolismo, de neoestoicismo.

Al tópico de la Arcadia feliz, se unen el de la vida retirada, la oposición menosprecio de la corte- alabanza de la aldea, la dorada mediocridad, etc. En definitiva el hombre renacentista aspira a un triple disfrute: el de la naturaleza, el intelectual y el moral. 

Corrientes de la lírica.

Existen dos grandes grupos: la tradición continuadora del arte que representan los cancioneros castellanos del XV y principios del XVI, otra la poesía italianizante, petrarquista y clásica que asientan en nuestras letras Garcilaso y Boscán.

 

José Manuel Blecua distingue cuatro corrientes que confluyen con la italiana:

-Lírica tradicional: Se aprecia en Castillejo y en la recopilación de sonetos y villancicos de 1559 por Juan Vázquez. Los villancicos se divulgaron al principio en pliegos sueltos. Los poetas cultos se sintieron atraídos por esa creación popular.

. Junto a la sobriedad en la expresión del sentimiento, destaca el dramatismo de su contenido ,Las situaciones que se plantean son muy dispares, los asuntos diversos. Puede estar en boca de un hombre o mujer:

la voz de la niña en cabello ( la doncella), la muchacha que no quiere ser monja, ausente de casi toda la poesía culta. La mujer que se queja de la cobardía de su amigo ("Cobarde caballero, /

¿ de quién habedes miedo,/ durmiendo conmigo?"), o de la espera vana; la casada se lamenta de que su marido, un caballero, le recuerde siempre (" a cada palabra") su origen y lo niega: "Llamasme villana,/yo no lo soy". O esta queja de la mal maridada del Cancionero musical de Palacio: " Madre mía, muriera yo, / y no me casara, no". El dolor de amores silenciado aparece así en el Tesoro de Pedro de Padilla: Todos piensan que no quiero/ y yo me muero".

A finales del XVI, las seguidillas -combinación de heptasílabos y pentasílabos con fluctuaciones- aparecen documentadas y a menudo se funden con los romances en estribillos o como cierre y les dan una nueva musicalidad. 

-Romancero. Éxito de Cancionero de Romances de Martín Nuncio, aparecido en Amberes antes de 1550. o el Cancionero musical de palacio que recoge las tendencias musicales de la corte castellana de 1460 a 1504

Entre 1547 y 1548, aparece también  la primera colección de romances viejos en el Cancionero de romances, un pequeño volumen de los llamados de "faldriquera" (de bolsillo) Casi al mismo tiempo que Martín Nuncio, pero partiendo ya de su compilación,  se publica la primera parte de la Silva de varios romances..

Los romances artísticos del XVI abandonaran la consonancia que los caracterizaba desde final del XV y recuperarán la asonancia de los viejos. Se componen en unidades de cuatro versos, en cuartetas de versos isosilábicos, y la carga lírica que se combina con su carácter narrativo se subraya a veces con estribillos a modo de paréntesis en intervalos no siempre regulares.

Poesía culta: siguen a Mena, Manrique. Doble vertiente amorosa y didáctica. Es una poesía escrita en verso de arte mayor (entre diez y catorce sílabas, dividido en dos hemistiquios). Este metro se asocia a temas graves o filosóficos, insertos frecuentemente en un marco alegórico. La poética de arte mayor -según Fernando Lázaro- es una poética del  ritmo. Todos los componentes- léxicos, sintácticos, y en general, gramaticales- del poema han de someterse a las necesidades impuestas por un ritmo constante y uniforme. Lejos de buscar una adecuación entre forma y contenido, la poesía surge de una ley externa y mecánicamente aplicada, que determina la elección y el orden de las palabras.

El cancionero General. Su éxito fue tal que tuvo nueve ediciones 1511-1573.La lírica de los Cancioneros estaba compuesta esencialmente en versos octosílabos, la cual tiene un estilo muy marcado: frecuencia de rimas agudas; falta de imágenes plásticas, juego, más o menos ingenioso, con un número limitado de conceptos; uso, de figuras como la repetición de palabras, el poliptoton o derivación y la antitesis . La poesía cancioneril  era casi siempre una pura actividad lúdica conectada en sus orígenes al ocio de la Corte. Más que introspección personal, hay un mentalismo por el que el sentimiento se intelectualiza y se distancia emocionalmente del poeta.

 Concomitancias y diferencias: vieja y nueva poética

La aparición de la poesía italianista a partir de 1526  no supuso la inmediata desaparición de las formas antiguas que influyeron en la nueva lírica transmitiéndole diferentes manifestaciones conceptistas que nunca desaparecieron y que enlazaron  la artificiosidad de la poesía  medieval con la barroca.

La división no es dicotómica. En la poesía medieval ya existía el fondo trovadoresco que los poetas del "dolce stil nuevo", habían recogido de la poesía medieval antes de la crisis renacentista. Además no se le puede negar al Siglo de Oro la vitalidad de la poesía cancioneril y popular, y   aunque el octosílabo se ciñó a la corriente tradicional, recogió la temática y el estilo petrarquista

Diferencias

 

-A) Cancionero: tendencia a aplicar ficciones alegóricas a los estados del alma. Ej: Manrique. Castillo de Ficción. En Petrarca aunque la alegoría no falta se da por ejemplo en su libro "Los triunfi" es una alegoría menor, mucho menor.

b) Cancionero: silencio autoimpuesto sobre la descripción de las cualidades de la amada que tiene su origen en la descripción de la lírica cantada de los trovadores.

Petrarca se plantea la poesía como algo que inmortaliza no sólo al poeta que escribe sino también a la amada que el quiere. Recreación en el retrato lírico de la amada. Aunque el retrato está idealizado, topicalizado, nunca es un trasunto de la realidad;  mientras que los poetas del cancionero se limitan a los sentimientos que era algo que no comprometía.

c) La visión de la naturaleza: En los poetas del cancionero tradicional,  la visión de la naturaleza es  objetiva, aparece  como telón de fondo.

 En Petrarca, la relación yo-naturaleza se establece mediante el subjetivismo. Se recrea una naturaleza subjetivada.

Hay una característica en los poetas del cancionero.

La mujer no sólo atrae por el espíritu (Cancionero y Ausias March) sino también por los sentidos. Petrarca no desciende a la visión de la sensualidad se queda en su mundo ideal. Sin embargo, la poesía de Garcisalo no es tan intelectualista como la petrarquista,  la poesía en él es más abarcadora, más completa y en este sentido entronca directamente con el cancionero.

Formas y espíritu italiano en la poesía española.

Es verdad que en la producción del XV se apuntaban ya la mayor parte de las innovaciones que distinguen a la nueva escuela, pero eran tanteos literarios aislados como los de Santillana: "Sonetos fechos al itálico modo". De ahí el carácter de auténtica revolución del XVI con la penetración del petrarquismo. También es verdad que no faltaron detractores del nuevo estilo pero la elegante simplificada y el tono emocionado de los nuevos versos triunfaron fácilmente. Es innegable que tenía sus defectos como la insinceridad o la monotonía de los tópicos petrarquistas. Se trató además de una asimilación temprana puesto que España tuvo un contacto privilegiado con Italia.

Siempre se ha hablado de 1526 como la fecha clave del encuentro de Boscán y -Navagiero que estaba en Granada de embajador de Venecia. Es allí donde se propone que ensaye en castellano las formas italianas. Tanto él como Garcilaso acomodan dichas formas con entusiasmo en castellano. Luego seguirán Diego Hurtado de Mendoza, Hernando de Acuña, Gutiérrez de Cetina y Sa Miranda, Gregorio Silvestre.

 El petrarquismo llega a convertirse en un fenómeno social, indeslindable de la vida cortesana: proporciona un sistema de conceptos y referencias para especular sobre el amor. Ha de subrayarse -no obstante- que cuando hablamos de petrarquismo, no nos referimos únicamente a la obra poética del humanista de Arezzo, sino también a la de sus seguidores italianos y, más tarde, europeos, quienes acogen otros tipos de influencia. Con todo, la personalidad literaria de Petrarca es tan fuerte como para justificar, también en España, su condición de guía. Fernando de Herrera escribe al respecto en sus Anotaciones a Garcilaso:

"En espíritu, pureza, dulzura y gracia Petrarca es estimado por el primero y el último de los grandes poetas".

 

Se puede hablar de dos generaciones petrarquistas en España: La primera, entre 1526-1541, englobaría autores como Boscán, Garcilaso, Hurtado de Mendoza, Cetina, Acuña y otros; estos acusan las huellas de Petrarca y de los poetas autóctonos, como el valenciano Ausias March; siendo, esporádica la influencia de otros escritores italianos contemporáneos.

La segunda generación, a partir de 1554, estaría formada por hombres como Montemayor, Francisco de la Torre, Fray Luís de León. Barahona de Soto, Fernando de Herrera, quienes revelan un conocimiento más profundo de la poesía italiana del Renacimiento y otras corrientes.

La aparición del Cancionero de 1554 marcaría la división. En él aparecen composiciones donde Cetina imita a varios poetas italianos.

En ellos se dio:

-La imposibilidad de separar temática de nueva rima, de ahí  que tenga capital importancia. No se trata de una imitación servil, cada cual adoptó para sí los valores de la nueva poética y los reelaboró según su individualidad.

-Influencia del bucolismo de la Arcadia

_No se puede separar de esto los mitos griegos y romanos: Dafne y Apolo, Icaro, Faetón. Los temas clásicos se convierten en modelos que le  sirven para expresar el sentimiento de amor, ya que el poeta se siente identificado  con ellos; son héroes y heroínas, su trágico amor es motivo de ejemplaridad.

Temas:

 

El amor. No es nuevo, la diferencia radica en la distinta forma de plasmar ese amor. El petrarquismo sitúo en el centro de su poesía el amor sin esperanza, en buena medida idealizado como la última consecuencia del amor cortés provenzal. Los tratados italiano como León Hebreo,"Diálogos del amor 1535y El Cortesano  ( Castiglione) divulgaron el concepto del amor y del caballero cortesano basados en el neoplatonismo. El amor no correspondido queda retratado en una naturaleza idealizada como trasunto de los sentimientos del amor, tópicos que se repiten incansablemente.

El retrato de la amada es siempre idéntico: los cabellos de la amada serán rubios, los ojos claros, brillantes Etc. El tópico del "Locus amoenus" relacionado con el mito de la Arcadia feliz.En ese marco escénico se desarrollan los amores y las diversas circunstancias amorosas. En este sentido las églogas son poesía narrativa, porque cuentan historias de amor, aunque los personajes sean como alter-egos del propio autor y no distintos personajes.

No todo es temática amorosa. Fueron también abundantes los temas heroicos, morales y de alabanza a personajes.

El poeta ahonda en el estudio de sus sentimientos y llega a un matizado análisis de sus estados de ánimo, lo que contribuye al descubrimiento del individuo.

 Esto no significa que no exista un erotismo latente, un aprecio de lo sensual y corpóreo que aunque subterráneo sube a la luz mediante el tópico del Carpe Diem que incita al goce del momento al mismo tiempo que anuncia la caducidad que será la vejez y la muerte. "Mientras hablamos, huye el tiempo enemigo; aprovecha el momento, sin fiar en absoluto en el mañana" ( Horacio I, XI). Por otra parte, Ausonio dio una forma simbólica al tema de la breve existencia con la imagen de la rosa, signo de la belleza transitoria de la vida humana: "Coge, doncella, las rosas mientras está fresca la flor y lozana la juventud".  En el Renacimiento este tema se  desarrolla desde  una perspectiva epicúrea, como una invitación a gozar de la vida y de la juventud antes de que la muerte arrebate ambos valores.  Este es el tema central del soneto XXIII de Garcisalo, en el que el poeta invita a la bella muchacha a gozar de su juventud, antes de que la pierda con el paso del tiempo: "Coged de vuestra alegre primavera / el dulce fruto antes que el tiempo airado / cubra de nieve la hermosa cumbre."  Recordemos que Gracilaso no olvida que la que mujer que ama es de carne y hueso, nunca la considera un ser angelical, sino un ser humano.

Métrica.

El verso de arte mayor castellano ( 12 sílabas) que había sido la fórmula culta utilizada en el XV es sustituido por el endecasílabo de origen italiano. Igualmente el empleo del octosílabo disminuye considerablemente y no volverá a ser utilizado de forma generalizada hasta finales del siglo con el nuevo auge y gusto por los romances. El heptasílabo deja de ser visto como verso independiente y sólo se utiliza combinado con el endecasílabo en estrofas procedentes de Italia como la canción, la lira y la silva.

 

El endecasílabo es un verso típicamente italiano, que ya había sido utilizado en francés, provenzal, italiano. Procedía del hexámetro  latino y tenía diversos acentos. Los primeros ejemplos de endecasílabo aparecen en los dísticos de los "enxiemplos" de El conde Lucanor de Don Juan Manuel. También Juan Ruiz los usa en alguna de sus cantigas dedicadas a la virgen. Pero serán el Marqués de Santillana y Francisco Imperial quienes intentarán adaptar diversas modalidades del endecasílabo italiano a la literatura española. Recordemos los Sonetos fechos al itálico modo, en los que prevalecen los endecasílabos sáficos y dactílicos.

Tipos de endecasílabos utilizados:

Endecasílabo enfático: acentos en 1, 6 y 10 : Nise, que en su hermosura par no tiene... ( Garcisalo)

Endecasílabo melódico: acentos en 3 y 6 y 10 : ¡Oh serpiente nacida en dulce seno...( Garcilaso)

Endecasílabo sáfico: acentos en 4, 8 y 10: Dulce vecino de la verde selva / huésped eterno del abril florido/ vital aliento de la madre Venus (...) Esteban Manuel de Villegas.

Endecasílabo heroico: 2, 6 y 10 : El dulce lamentar de dos pastores / Salicio juntamente y Nemoroso ( Garcilaso)

Afirma Quilis que la innovación no consistió únicamente  en la introducción del endecasílabo  sino en todos los elementos de estilo nuevo: soneto, canción renacentista., octava rima, terceto, verso suelto, lira, madrigal.

Estrofas: Terceto. Epístola, elegías, narraciones, disertaciones, especialmente se utiliza en la poesía didáctica.

 

La lira: creada en Italia por Bernardo de Tasso y traída a España por Garcilaso: A la flor de Gnido, de cuya primera estrofa toma el nombre. Lo utilizan después Fray Luís, San Juan de la Cruz. Su uso decae en el Barroco y resurge en el romanticismo. Dos endecasílabos ( 2 y 5) y tres heptasílabos.

La octava rima: Ya la utiliza Boccaccio en su Teseida. Modificó la primitiva octava siciliana, haciendo que sus dos últimos versos fuesen pareados ( ABABABCC). La introduce Boscán en sus poemas de más de una estrofa. La octava rima se utilizó en poemas cultos, líricos y bucólicos. Tuvo un uso fructífero en los poetas renacentistas: Diego Hurtado de Mendoza la utiliza en la Fábula de Adonis, F. de la Torre, en la Bucólica del Tajo, Garcilaso, en la Égloga III, etc.

Poemas estróficos: sonetos, canción, madrigal

Soneto: El Marqués de Santillana  intentó utilizarlo pero no cuaja por el exceso de erudición y por el abuso que separa la Castilla de la Iª mitad del XV de la italiana inmersa en el Renacimiento. Petrarca -sin embargo- si logra ahondar en la esencia del amor "cortés" con sus contradicciones, metáforas y maneras expresivas.

 Canción: Desciende de la "canso" provenzal que introduce Boscán tomando como modelo la canzone italiana reelaborada por Dante. En la canción encontramos un número indeterminado de estrofas (estancias) rigurosamente simétricas entre sí, seguidas por el envío (remato, commiato). Así -por ejemplo- en las Canciones I, II y IV de Garcilaso el paso de endecasílabos a heptasílabos señala el desequilibrio interno del amante. Sobresale  Herrera, cuyas canciones heroicas son obras maestras de su género. El sevillano aprovecha los rasgos formales de la canción para introducir poderosos efectos estilísticos.

Madrigal: Número de estrofas y versos no fijo, aunque el tipo de verso seguía el cómputo silábico era del heptasílabo. La temática era la amorosa e idílica. Se recomienda la brevedad, la armonía  y la sencillez.

Composiciones poéticas y géneros.

 

Lapesa señala que Garcilaso los cultiva entre 1534-1536: epístola, elegía y oda.

 

Epístola: Epístola horaciana. Mezcla lo doctrinal y lo familiar. Antecedentes peninsulares. Aparece en el Cancionero General a partir de su edición de 1527.

Gacilaso parece referirse a dos tipos de epístolas. Una de carácter culto, más adornada y pulida; otra, como la que él escribe, más espontánea. Parece como si mediante la epístola el poeta buscase un descanso ante el esfuerzo que implicaba la creación de otras formas sujetas a leyes menos flexibles.

 

Elegía: de origen grecolatino. Primero fue un canto fúnebre. Después con Ovidio, Tibulo, Propercio se convirtió en la expresión del pesar amoroso y más tarde cualquier género de prosa o poesía inspirada en sentimientos de dolor y melancolía. Poemas elegíacos: Rodrigo Caro: Epístola moral a Fabio, Garcilaso, Fernando Herrera ( A la pérdida del rey Sebastián),.Francisco de la Torre etc.

Oda: A la flor de Gnido ; se vale del paradigma ensayado por Bernardo Tasso. Clara influencia horaciana. Ideas e imágenes de Ovidio, Tibulo, Marcial, Ariosto, y quizás Propercio. Otros que la cultivan: Fray Luis y Herrera.

Égloga: Los orígenes de la égloga pasan por la poesía villanesca de pastorales y vaqueras que juglares y trovadores importaron a la península. Aparecen en las cántigas de amigo en los cancioneros galaico-portugueses  Más tarde la cultiva Juan Ruiz  ( Cántiga de serrana) y el  Marqués de Santillana ( Serranillas).

Los caracteres de la égloga no tienen una base métrica: incluyen una serie de convenciones temáticas y un estilo peculiar. El escenario, preferentemente pastoril, responde a los tópicos del locus amoenus; los conflictos de los personajes son predominantemente amorosos, y muchas veces la égloga se compone de uno o varios diálogos o de un grupo de monólogos recitados por los pastores.

 Por otra parte es normal que algunas estrofas se especializasen en  un tipo de poesía determinado: La octava real es la estrofa de la poesía épica, los tercetos encadenados de la epístola morral, la canción de las composiciones amorosas como las églogas, el soneto el vehículo de todo tipo de temas, aunque en un principio sea un tema amoroso.

Estilo.

Una de las máximas aspiraciones es el logro de la belleza formal. Tanto Petrarca como los poetas grecolatinos eran ejemplo de perfección formal lograda a través de una cuidada elaboración. Se huye de la afectación y la norma es la naturalidad elegante.

Es importante el uso tipificado de los adjetivos, pues la visión platónica de la naturaleza perfecta exigía que se destacaran con epítetos aquellas cualidades con las que las cosas y los hombres respondían mejor a los arquetipos. La poesía no será una simple diversión palaciega sino un alto quehacer espiritual que requiere una sencilla gravedad de tono y estilo, opuesta a la afectación o intrascendencia del siglo anterior.

Fuentes: Vita nuova de Dante,Canzionieri ( Petrarca) Cants d´amor ( D´Auxias), Symposium platónico ( filosofía amorosa) Diálogos de amor etc.

Poesía de Boscán.

Reflexionemos ¿existe alguna continuidad entre la poesía del cancionero o la tradición del XV y la de Boscán y Garcilaso en metros italianos o fue la innovación métrica la causa de la ruptura total?

En Boscán, en él reside el enlace o bisagra con la tradición provenzal y la influencia de Ausias. De la influencia provenzal queda el dolor, un dolor hondo, íntimo.

La paradoja amorosa típicamente cortesana. Al igual que él distinguirá entre el amor honesto, deleitable y provechoso. Otro rasgo es el intenso conceptismo, los continuos juegos de ingenio. En el aparece el paisaje alegórico.

En cuanto a la imitación italianizante, Boscán toma un tema famoso y lo reemplaza de manera análoga para que sufra al final una terminación divergente. Una de sus obras más famosas es la Epístola a Diego Hurtado de Mendoza, que aunque está escrita en tercetos resulta una composición poco poética. Su acento personal y sincero y su tono doméstico y familiar  describe la vida aburguesada, el gusto por las cosas del vivir cotidiano que impone un tono realista al idealismo petrarquista.

En general Boscán manifestó más dotes para la imitación que para la creación: Adaptaciones de poetas italianos y clásicos: Bembo, Poliziano, Tasso, Virgilio, Catulo, Tibulo y Petrarca. Nadie le quitará el mérito de las innovaciones métricas y aunque no goce de la gloria de Gracilaso en sus obras hay aciertos aislados. Le faltó la efusión lírica, la suave melancolía, la arrobada contemplación de la belleza y dejó un hondo dolor que provenía de los cancioneros.

Garcilaso.

 

Represento el ideal renacentista de hombre de letras y armas.

Edición de sus obras: No existen manuscritos autógrafos. No publica en vida. Boscán unió a sus obras completas un cuarto libro con las poesías de Gracilaso

( 1543) . Las obras de Boscán y algunas de Garcilaso.

Los editores ante la calidad del segundo decidieron publicarlas por separado y en 1569 se publicó en Salamanca la primera edición en un tomo sólo de Garcilaso.

Su consideración como clásico provocó el interés y como consecuencia proliferaron ediciones comentadas de sus obras. Por ejemplo, un erudito en Retórica, Francisco Sánchez de las Brozas, conocido como "El Brocense" en 1574 añadió seis sonetos y cinco coplas inéditas. Más ambiciosa fue la de Herrera en 1580.

Corrientes que le influyen:

 

El clasicismo. Garcilaso era un autor universitario, humanista, conocedor de los clásicos: Las Bucólicas y Geórgicas de Virgilio, la Metamorfosis de Ovidio y las Odas de Horacio. Esta influencia es patente en sus alusiones mitológicas. A partir de 1533 la mitología que había aparecido en alusiones imprecisas ( Canciones IV y III) se convierte en un elemento constante.  

 Por otra parte, Ausias March es la tentativa anterior más ambiciosa de intelectualizar el proceso amoroso explicándolo por la alegoría. Ausias crea una metafísica amorosa basada en el análisis psicológico del yo y en los sentimientos amorosos del poeta a través de la alegoría. Garcilaso utiliza pasajes enteros de Cants d´amors, los reproduce con bastante fidelidad pero eso no significa que haya que infravalorar su poesía ya que en el Renacimiento se valoraba la imitación.  (Soneto XXVII.)

Los cancioneros: Producción anterior de su visita a Nápoles sobre todo. Sonetos I, IV.

Características: Visión objetiva del paisaje frente a la subjetivación y reconversión de la naturaleza que se da en su poesía posterior. Persiste la alegoría. Conceptismo, juegos de palabras que serán reducidos después. Persisten a su vez las composiciones autosilábicas (coplas) El tema del silencio del amante por discreción del poeta que se dirige a una mujer casada.

Petrarquismo ( decisivo). Pero esto no quiere decir que toda su poesía quepa en los límites del petrarquismo ni que se diera acogida de todos los rasgos temáticos y estilísticos del maestro italiano. Había en Petrarca un lastre medieval que procedía del dolce stil nuovo que lo impulsaba a idealizar su amor presentándolo como estímulo espiritual. En cambio, Garcilaso rechazó esta falsificación al igual que Ausias. Nunca dirá que el amor eleva su espíritu. La mujer amada no será llamada Angeletta ni se la podrá aplicar la frase : cosei per ferro nacque in paraíso. La pasión de Garcilaso es solamente una pasión humana y sincera.

 Si cultivó el soneto y la canción, no tanteó la batalla ni el madrigal ni la sextilla trovadoresca. En sus églogas falta ya el conceptismo. Petrarca trazó el camino seguido por la poesía de Garcilaso, guió a este en la exploración de su alma, le proporcionó temas poéticos, hábitos formales, le ayudó a sacar partido de su sensibilidad, a describir la figura de la amada y a expresar el sentimiento de la naturaleza.

Sannazaro fue para Gracilazo la revolución del sueño pastoril, del color y el sonido y el eje de su arte imitativo. A partir de la Egloga II su influencia es amplia y persistente, no sólo en los poemas bucólicos sino también en los sonetos de diverso carácter ( XXV, XII, XI ). Esta influencia que le adentró en el bucolismo y la contemplación estética de la naturaleza se caracteriza por la ausencia de caracteres y acción: la presencia del tópico de la Edad Dorada, la belleza natural arquetípica, las descripciones variadas de sonidos, colores. No obstante, Garcilaso se mostró más comedido en la descripción de impresiones visuales y auditivas. Tampoco le siguió en la variedad argumental de la Arcadia. En estos y otros rasgos se alejó de Sannarazo y se acercó a Virgilio, en cuyas Bucólicas hay pasión.

La influencia de Virgilio menor en la Egloga II, es superior a Sannazaro en la I y las dos se entremezclan en la III. Virgilio completó su enseñanza de Petrarca en el arte de infundir suavidad, melancolía a sus versos.

 Los cancioneros, Marx, Petrarca, Sannazaro y Virgilio son su primer estadio en la influencia del poeta. En la segunda se hallarían Horacio, Ovidio, Ariosto, Tansilio, Bernardo Tasso. Influencias todas que suponen su gradual enriquecimiento y revelan lo que éste llevaba en sí.

 

Trayectoria poética

 

División de sus obras.

Realmente dejó pocos poemas y es probable que parte de su obra se perdiese. Con las composiciones que nos quedan podríamos fijar la siguiente división:

-Algunas composiciones en metro castellano tradicionales.

-El cancionero tipo Petrarca con 38 sonetos  y cinco canciones.

-Los ensayos epistolares, 12 elegías en tercetos y una epístola en versos sueltos.

-Las églogas en métrica variada.

Así en el periodo que va de 1526 a 1532, fecha en la que cuaja el influjo directo de  Petrarca (Canción III) hay en la poesía de Garcilaso numerosas reminiscencias hispanas, (de los Cancioneros, de Ausias ). El tono  abrupto  y descarnado, las imágenes violentas;  el poeta se centra en la expresión de estados psicológicos contradictorios. Aparecen esquematizaciones alegóricas, que muestran la lucha interna del amante, y el paisaje se transforma en una proyección anímica del sujeto.

A partir de 1532 la poesía de Garcilaso experimenta un cambio decisivo.

El establecimiento en Nápoles de nuestro autor le pone en contacto con lo más vivo y avanzado de la literatura de su tiempo. Su dicción, antes extremada y turbulenta, se reposa cada vez más. Ya no le interesa tanto la psicología atormentada del amante como la creación de una atmósfera nostálgica, donde sentimientos tristes y belleza natural se fundan en armonía.  A este efecto contribuye el ocultamiento o desaparición de la primera persona, con lo que se templa el solipsismo de la primera fase. La naturaleza, idealizada según los cánones grecolatinos, es, en esta segunda etapa, escenario animado y no correlato alegórico.  Su poesía avanza hacia un melancólico clasicismo que busca la transparencia de ideas.

Los sonetos giran en torno al amor. Entre ellos los más bellos son los dedicados a mitos clásicos como el de Hero y Leandro, el de Dafne y Apolo, el que habla de la muerte de isabel ( ¡Oh dulces prendas¡) , el del Carpe Diem, nos ofrece un espectáculo de las ninfas bajo el río.

Églogas: La II une lo bucólico y lo heroico porque junto al Beatus Ille de los pastores Carmina y Albinio vemos una relación de las hazañas de la Casa de Alba. Se cree que fue la primera cronológicamente. Fue empezada hacia 1533, es más extensa y ambiciosa.  1885 versos en 879 tercetos, 902 con rima interior y 104 estancias. Se yuxtaponen una pastoral dialogada y un relato panegírico. Trata del infortunio de Albinio (amor cortés) Este poema supone el ensayo más serio para configurar un diseño narrativo relativamente complejo, que se proyecta tanto hacia el pasado (historia de Albinio y Camila) como hacia el futuro (triunfo del Duque de Alba), en el marco de una acción presente ( diálogos pastoriles, locura de Albinio). Rafael Lapesa anotó la simetría del poema, que revela una cuidada elaboración. Variedad y equilibrio análogos a los que se dan en la métrica. Garcilaso se vale de tercetos, estancias y versos de rima interior.

Égloga I (1534- 1535),  está dedicada al virrey de Nápoles. 431 versos distribuidos en 30 estancias y sus temas son el canto del desengaño y de la muerte. Tiene dos partes. Después de la dedicatoria, Salicio se lamenta de la inconstancia de Galatea que le ha abandonado por otro. Recuerda el pastor los momentos felices perdidos para siempre por el olvido de la amada. Por su parte,  Nemoroso llora la muerte de Elisa. Aparece el apóstrofe a los elementos de la naturaleza: "Corrientes aguas puras, cristalinas/ árboles que os estáis mirando en ellas, / verde prado de fresca sombra lleno..." ; el ubi sunt desesperado, "¿Dó están agora aquellos claros ojos/ que llevaban tras sí, como colgada/ mi alma, doquier que ellos se volvían?"; su apóstrofe a la amada muerta, " ¿Quién me dijera, Elisa, vida mía, / cuando en aqueste valle el resco viento/ andábamos cogiendo tiernas flores..."; la descripción de su soledad en la tierra, " y lo que siento más es verme atado / a pa pesada vida y enojosa,/ sólo, desamparado,/ ciego, sin lumbre, en esa cárcel tenebrosa".  Ambos son trasuntos de Garcilaso.  Están presentes las dos situaciones más típicas, sobre todo a partir de Petrarca,  de la literatura amorosa: el desdén de la amada y la muerte de la mujer querida. La elaboración oscila en las dos contrarias situaciones amorosas. El paisaje se altera en su curso armonioso con el dolor de ambos poetas.  La égloga acaba en resignación. El poeta ha aprendido a sufrir, a analizar su dolor. Es la cima de su poesía donde se fusiona sentimiento y forma.

Égloga III (1536) dedicada a Doña María Osorio, esposa de Pedro de Toledo. 376 versos distribuidos en 471 estancias. El libro IV de las Geórgicas y la prosa XII de la Arcadia proporcionan las líneas de la égloga. Su primera parte se apoya en la ékfrasis, la descripción.  Hay cuatro ninfas en el Tajo. Tres tejen tapices  con sendos mitos mitológicos. ( Orfeo y Eurídice, Apolo y Dafne, Venus y Adonis). La cuarta teje una historia contemporánea. La muerte de Elisa y la pena de Nemoroso. Estas cuatro ninfas ocultan tras su nombre a las hijas del virrey de Nápoles, mientras que Elisa es el recuerdo obsesivo de Isabel Freire. Aunque en las cuatro escenas hay dolor, la poesía no está dominada por el sentimiento. El dolor que causa la muerte es visto desde el pasado. Aquí se ve como la poesía es una evasión. Todo se sitúa en la lejanía, desde el pasado. El sentimiento personal ya no tiene la intensidad de la égloga I y puede encerrarse en moldes más convencionales.

Temas.

 El amor auténtico aparece manifestado desde dos vertientes:

-El dolor desengañado  y la melancolía, motivados por el amor no correspondido. Lucha individual por la vida que se une al tema de la tristeza. Las causas que provocan su tristeza amorosa son: la ausencia, como en la Elegía II; el desdén de la amada, como en la ÉglogaI; los celos y el despecho,

En cuanto al tema de la naturaleza, se trata de una naturaleza convencional y estilizada que pretende dar la impresión de armonía y serenidad.  Naturaleza que tiene vida y que hará suyo el dolor del poeta quien  hablará con los elementos naturales como si fuesen confidentes.

Otros temas: Fortuna y arbitrariedad de la fortuna que va unido al tema de la melancolía y el pesimismo. El humanista opone a la fortuna adversa su fortaleza y virtu, la afirmación del individuo. Garcilaso cree que el destino influyo en su sentimiento. Hay que diferenciar hado y fortuna. Garcilaso sabe que el hombre no puede alterar su hado ( Egloga II ), a pesar de ello siempre contrapone sus valores espirituales y subjetivos y conserva inalterable su individualismo e virtud (estoicismo).

El tema de la razón, el tema del alma (cree en la separación alma /cuerpo tras la muerte), el tema del velo mortal. El cuerpo es un velo mortal que encumbre el alma. Una vez despojados de la carne, los hombres se alzan a la contemplación de la belleza única.

Tema esencial: análisis de las propias emociones, lirismo, ausencia de lo épico, individualismo

Subtemas: El amor: destacado sobre el fondo petrarquista y platónico.

El dolor: El conflicto entre razón frente a pasión, como realidad inmutable: tema del hado, el destino, la astrología. También es habitual la  aceptación del dolor que provoca melancolía. "No me podrán quitar el dolorido sentir..." Acepta el dolor pese a que a veces ve una postura fatalista ante los acontecimientos, se somete al destino. En todo subyace un tono estoico que busca la felicidad en la virtud humana.

Estilo.

 

Musicalidad, elegancia rica y delicada. Tonalidad de matices, mesura, sobriedad y arte de la selección de vocablos. Garcilaso no copia sino que reelabora, selecciona y busca lo esencial haciendo de los tópicos nuevas creaciones. Utiliza la naturalidad y la selección de tópicos para trasformarlos con elegancia.

El secreto está en la sencillez, en la claridad y en la elegancia.

 

La adjetivación: El hombre renacentista descubre el placer de los sentidos y utiliza con acierto y exactitud el adjetivo. Un adjetivo nítido y luminoso para poder captar el color y el sonido. Hay adjetivos que se repiten a modo de palabras clave refiriéndose al color, al sonido, al tacto. Predominan los siguientes

Color: blanco, verde, dorado

Sonido: los que denotan suavidad e dulzura

Tacto: referidos a blandura o delicadeza.

Sistemas de parejas ( bimembraciones): plata centrada y fina, oro luciente y puro, baja y vil le parece.

De sustantivos: mi razón y mi juicio cayeron

La mar en medio y tierras ha dejado

De ideas semejantes o distintas  "a quien sabrá perderme y acabarme"

Enciende el corazón y lo refresca ( sonto XXIII)

Si en lugar se utiliza un trío, lo expuesto se hace más evidente.

"Por el hermoso cuello blando, enhiesto, el viento mueve, esparce y desordena"

No hay hipérbaton exagerado y tan sólo en algunas ocasiones utiliza el acusativo griego ( Canción V y en la Elegía II) A veces el orden latino de adjetivo, genitivo, nombre" Como en luciente cristal columna" ( elegía I, v 73). Con mayor frecuencia separa dos calificativos del nombre interponiéndole el sustantivo mismo ( soneto XV y en la Elegía I VV 76 yss). " y en los diversos montes y sombríos" ( soneto XV).

No hay dificultades de interpretación sintáctica ni de vocabulario. Escoge cada palabra, hay pocos italianismos, algún que otro galicismo y arcaísmos.

Metáforas: Responden a lugares comunes de la poesía petrarquista, del platonismo amoroso. Ejemplo amor como llama /fuego encendido, pasión = yugo,  mar furioso

Ojos de la dama como luces brillantes; juventud = primavera.

Esto revela una concepción racionalista, estoica. Imágenes y metáforas que revelan la claridad = eterno  reposo, alegría, esperanza

La oscuridad: el dolor, la muerte, el olvido, la agitación, la inquietud

Vientos huracanados: Dolor y mala fortuna.

Puerto amable: fortaleza y razón.

 Hipérbole contenida: más profunda que extensa

"Los ojos cuya lumbre bien pudiera

tornar clara la noche tenebrosa

y esclarecer al sol a mediodía."

 En definitiva su arte poética es una evasión de la realidad pero una evasión humanizada. La realidad se disfraza a través de la estilización del paisaje y la conmoción del ritmo y de la necesidad de expresar que lo fonético se funde con lo espiritual provoca un estrecho vínculo entre sigdo y sigte.

 

 

Escuela :

Francisco de Aldana. Sus composiones revelan una introspección especial, donde la reflexión existencial es patente. Esa hondura se mostrará también en sus sonetos amorosos en los que aparece una atmósfera sensual que refleja una relación física llena de autenticidad y expresividad. Es famosa su Fábula de Faetonte y el soneto  Canción a Cristo crucificado.

Por su parte, divino fue llamado Francisco de Figueroa, quien supo retratar siguiendo la estela de los stilnovistas la ausencia de la amada en unas composiciones que recuerdan tanto a Petrarca como a Garcilaso , "Pasó en fiero dolor llorando el día".

Gutierrez de Cetina , por su parte,  es uno de esos poetas que ha pasado a la posteridad gracias a la introducción de los madrigales, forma italiana de origen popular, dignificada por Petrarca. Son también famosos sus sonetos, canciones y epístolas.

Francisco de la Torre destacaría no sólo por las canciones petrarquistas y las odas horacianas, sino también por las endechas. En una perfecta comunición con la naturaleza se dirige a la noche y a las estrellas para expresarles su dolor o hablarles de sus sentimientos, personificándolos como confidentes: " ¡Cuántas veces te me has engalanado,/ clara y amiga Noche!".

 Hurtado de Mendoza  alterna italianismo y tradicionalismo. Treinta uno sonetos, varias canciones, epístolas en tercetos. Fábula de Adonis. En los sonetos le influye más Auxias.

Herrera. Su poesía es inspirada por Leonor de Milán. En 1882 publica el único volumen de sus poemas en vida, que se vio ampliado por Pacheco. Fue además historiador y estuvo interesado en la teoría literaria. En Obras de Garcilaso de la Vega con anotaciones expone como deber el lenguaje poético. Característica: claridad y ausencia de vulgarismo. Su mejor poesía es la amorosa, en la que le influye el petrarquismo, Auxias y los cancioneros. Dota a su amada de un nombre poético a semejanza de Petrarca: Luz, lumbre...  lo que facilita juegos de imágenes. Su originalidad no está en el tema sino en la manera de tratarlos en el vigor y en el color de la expresión que había tomado prestada. También escribió odas patrióticas y heroicas como la Canción a la batalla de Lepanto, La canción por la muerte del rey Sebastián etc

Oposición a la lírica innovadora:

 Cristóbal de Castillejo, Gregorio Silvestre, Rodríguez de Mesa.

 A Castillejo se le ha tomado demasiado al pie de la letra los tópicos del amor cortés que aparecen en sus poesías amorosas. Hay en su obra una mezcla de jocosidad y moralismo que O. Green ha señalado por el Sermón de Amores. Verdadero sermón, joya medieval proyectada al Renacimiento. El poeta defiende la lengua nacional (en la línea de Bembo, Castiglione, Juan de Valdés y los erasmistas) y su concepto del español como el Latín del Nuevo Imperio. Esto supone la defensa de la idea poética que supere y revitalice el amaneramiento de las coplas castellanas de su tiempo alejadas del ejemplo de los grandes maestros anteriores: Manrique, Mena, Garci Sánchez de Badajoz, Torres Naharro.

A Castillejo no le preocupaba tanto la penetración de las nuevas formas como el que este hecho supondría pérdida de prestigio de nuestras letras Por lo tanto su medievalismo no sería tal. Su renacimiento latente no radica en el vitalismo poético ni en el desenfadado canto al erotismo

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Comentarios Historia de la literatura española. La poesía renacentista.

siempre aprendo contigo... gracias...

un beso cielo.



para ti.

que pases un buen sábado.
:-) Aquí libando con tus textos
Muchas gracias ,personalmente me gusta
San Juan de la Cruz..su poesía es genial
lerna Lerna 15/11/2008 a las 19:13
gracias negra flor por tu imagen. Yo espero recuperarme pronto.
Muchas gracias Lerna, sí, estoy contigo. San Juan de la Cruz es genial.
Decía Castelao que donde hay un cruceiro ,hay un pecado y Galicia esta lleno de ellos,la tercera imagen que has puesto en este post ,esta considerado el cruceiro mas bonito de Galicia (El cruceiro de Hío,Cangas de Morrazo: es una de las grandes maravillas del patrimonio etnográfico de Galicia. Está tallado casi en su totalidad en un solo bloque de granito) Me ha hecho ilusión verlo ahí.Un saludo y que te recuperes pronto como esperas.
codax 15/11/2008 a las 23:56
Gracias Martín y gracias por la información. Me han operado del meñisco y estoy en casa. Por cierto que estoy pensando en poner un post sobre las cántigas medievales, que me encantan.
Un beso desde Valencia
Hola arle... espero todo haya resultado exitoso en cuanto a tu operación. Voy a leer con calma este post, que veo literalmente muy rico. felicidades arle... 

recupérate bien por favor amiga. besos 

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