Avisar de contenido inadecuado

El "Fenix de los ingenios": Teatro de Lope de Vega II

{
}

Lope de Vega y la comedia española

 

El término comedía se usó en el siglo XVII como sinónimo de obra teatral. El teatro se representaba en el  corral de comedias y comedias son las que escribieron en esa época. Con ello parece crearse una confusión con el término comedia (opuesto a tragedia) como género dramático en el que prima lo cómico, escrito para divertir y con personajes bajos..

 Lope de Vega da cuerpo a la comedia o drama barroco  que suele llamarse también

drama nacional . La formulación de su teoría dramática aparece en su obra en verso.

 

Arte nuevo de hacer comedias (1609)

 

Las opiniones que en esta obra vierte no son meras fórmula teórica sino que Lope las puso en práctica y con él lo hicieron los demás dramaturgos del XVII.

Las variaciones estructurales son mínimas: Lo que diferencia a una obra de otra, a un autor de otro es el argumento, el mayor acierto literario o la mayor o menor profundidad en el tratamiento del tema o la intriga.

No es raro que coincidan obras de diferentes autores en los temas o incluso los personajes. No hay que olvidar que el Renacimiento había valorado positivamente la  inspiración de unos autores y obras, que el concepto de plagio es más que moderno.

 

Casa-museo Lope de Vega

Teoría teatral

 

Antecedentes.

 

Hasta aquel momento la teoría teatral estaba dominada por la visión neoaristotélica del teatro. Se trata de una concepción desvinculada de la práctica escénica contemporánea que  se suele condenar porque se aparta de los patrones clásicos.

 

Juan de la Cueva ya había postulado la primacía del gusto de sus contemporáneos sobre los clásicos:

“ introduzcamos otras novedades

de los antiguos alternando el uso

conforme a este tiempo y calidades”

En esta tendencia de vindicación de la comedia que se apoya en las exigencias del público convertido en vulgo se inscribirá el Arte nuevo..

 

Lope acogió en su nueva teoría algunos caracteres de autores predecesores:

 

-De Gil Vicente extrae la introducción de elementos líricos como las cancioncillas tradicionales en la comedia. Estas canciones se conectaban a la intriga y la caracterización de los personajes.

 

De Lope de Rueda aprendió: Por una parte el enredo a la italiana, que había contribuido a dar mayor complejidad a los argumentos; por otra parte, Rueda había iniciado la costumbre de intercalar los pasos (escenas cómicas, generalmente a cargo de los criados) en la trama de la comedia, creando así un doble nivel: acción seria y lances cómicos. Lope pudo partir de esta dualidad para sistematizarla en el contrapunto entre amos y criados. Los pasos llegaron a independizarse y a constituir textos autónomos conformando un género menor: los entremeses que se representaban en los entreactos como forma de mantener viva la atención del público.

 

-De Juan de la Cueva tomo el gusto por acudir a fuentes como el Romancero y las leyendas nacionales para la creación de la trama: Los infantes de Lara, la muerte del rey don sancho). Tales fuentes y tales temas ocuparán un lugar decisivo en la obra de Lope y sus seguidores.

 

-Su estancia en Valencia (1589-1590) le sirvió para descubrir novedades que corrían en el activo ambiente teatral de aquella ciudad. Junto a dramaturgos de línea clasicista, otros autores habían intentado crear un teatro popular, para la diversión del más amplio público (así, ciertas obras de Palmireno, Timoneda, Tárrega, etc.). Lope llegó a Valencia desterrado por injurias contra la familia del comediante Jerónimo Velásquez con cuya hija, Elena Osorio, mantenía relaciones. Valencia ofrecía en esos momentos un rico panorama teatral que sirvió de acicate a nuestro autor. Sus obras anteriores a la llegada a la ciudad son muy literarias y próximas a lo épico, desprovistas de recursos propiamente teatrales y de la figura del gracioso. Esas obras no estaban todavía protagonizadas por el galán y la dama, ni su diálogo  era tan ágil, ni la métrica tan variada.

 

Lope encuentra en el teatro valenciano la creación de un lenguaje propio que había sabido huir del clasicismo y conectar con un público más amplio. Reconoce que la innovación de los tres actos de la comedia se debe a Virués que ha sabido llevarla a la práctica, advierte la importancia de las figuras cómicas del teatro valenciano

( motivo que ya le era conocido del teatro italiano, pero que desarrolla la creación del gracioso). También aprende a definir como protagonistas a los personajes del galán y la dama; a organizar la métrica de una manera más variada y armoniosa y descubre un diálogo brillante que es del gusto de un público más variado.

 

Arte nuevo de hacer comedias. Teoría teatral de Lope

 

En esta obra se mezclan las reflexiones de tipo histórico –teórico y los consejos prácticos para hacer teatro. Lope adoptó una posición humilde irónicamente con el fin de burlarse de los que le atacaban.

 

La  obra tiene:

Una introducción donde justifica la escritura del tratado utilizando el topos de la modestia.

Un estudio técnico sobre el teatro clásico.

Un estudio sobre el Arte nuevo de hacer comedias: Doctrina dramática de Lope, aunque él no se sintiera creador del teatro nacional. Más que hablar de algo nuevo se trata de un tratado novedoso sobre algo ya existente.

 

Ante todo tenemos un arte nuevo fuera de las normas de los preceptistas. Los autores que pretendieron ajustarse a ellas habían fracasado ante el público.  Lope dirá:

 

nunca reparo en los preceptos, antes me cansa su rigor y he visto que los que miran en guardar el arte, nunca del natural alcanzan parte”.

 

Las normas se oponen a lo natural. La única regla será someterse al gusto del público, deleitarlo y alcanzar así el éxito:

 

Como lo paga el vulgo es justo hablarle en necio para darle gusto

Somete el arte a la naturalidad

 

La comedia se divide en tres actos o jornadas. Ello se convierte en una forma teatral que continuará siglos posteriores y que ha llegado prácticamente  a la actualidad (y no solo en el teatro nacional).

 

Durante el XVI las obras estaban divididas en 5, 4, o 3 actos, en el teatro isabelino inglés y en el teatro clásico francés se dividían en cinco actos.  La finalidad de la división en tres jornadas viene dada por la acción de la obra, que tenía que constar de introducción, nudo y desenlace. La intriga se desarrollaba en los tres actos. El cambio de un acto a otro solía servir para marcar el paso del tiempo, de esta forma el público creía la convención escénica del paso del tiempo ya que tenía que imaginar un transcurso de horas, días o incluso meses o años entre una parte y otra de la acción.

 

La intriga es fundamental y el objeto del autor es mantenerlo hasta el final.

-La acción será movida y variada ya que no tiene en cuenta la unidad de acción de los clásicos. La comedia presenta un mínimo de dos acciones paralelas: La de los señores y criados.

 

No se tiene en cuenta la unidad de tiempo y lugar. La obra puede abarcar años y desarrollarse en lugares distintos.

 

Mezcla de trágico y cómico. Variedad de estilos: responde al deseo de naturalidad. Respeta el  Decoro poético que consiste en la adecuación del comportamiento y del lenguaje a la índole de cada personaje. El rey debe hablar como rey y el lacayo como lacayo.

 

Polimetría: Intentaban adecuar la métrica a la índole de las escenas. Los romances para los relatos, sonetos para los soliloquios, las décimas para las lamentaciones, los tercetos para diálogos, las  redondillas para diálogos amorosos, etc.

 

-Elementos intercalados en la acción: cancioncillas de tipo tradicional que frecuentemente iban acompañadas de danzas. Podían ser un paréntesis de la acción o estar perfectamente insertadas en ellas.

 

El comienzo de la obra era brusco: se entraba de lleno en la acción con lo que se imprimía desde el mismo momento dinamismo. La aceleración del la acción  estaba supeditada a la intriga

 

 

 

En cuanto a la forma literaria utilizada ésta era el verso. Todo el teatro está escrito en verso. El verso es el vehículo normal de la comedia española, tanto en sus formas italianizantes (decasílabos) como tradicionales (octosílabos) La polimetría es una característica esencial de la forma literaria de la comedia: sonetos, redondillas, romances, décimas, tercetos, aparecen en cantidades desiguales pero de forma gratuita.. El uso de una o otra forma se condiciona a la naturaleza del personaje o al contenido de lo que dice.

 

Temas:

 

Una forma dramática en cierta manera representativa como la de Lope utilizada por muchos escritores en una época de gran demanda por parte del público, ávido de novedades necesitaba una gran variedad de temas, para satisfacer a un público. Los escritores recurren a todas las fuentes de información posibles: historia, literatura, religión, vida, folklore en busca de argumentos dramáticos. Todo tenía cabida en la comedia y parece lógico puesto que estructura, caracteres de los personajes y forma literaria (verso) no variaban mucho, tenía que variar la trama, lo contado o fabulado.

 

Así nos encontramos con temas dela tradición épica medieval, de la historia universal y española antigua y moderna, temas renacentistas (pastoriles, moriscos, caballerescos, mitológicos), temas de la literatura religiosa (asuntos bíblicos, misterios, dogmas, vidas de santos, motivos litúrgicos y piadosos), temas del vivir contemporáneo (políticos, religiosos, sociales...)

 

Esta es la creación máxima del teatro español y su máxima aportación al drama occidental que responde además a su esencial nacionalismo, capaz de españolizar lo más ajeno. Con todos, los asuntos extraídos de las Crónicas y del Romancero, de las leyendas locales constituyen la parte más notable del teatro de Lope. Su capacidad para dilatarlos y enriquecerlos, y el reconocimiento de los temas y personajes por parte del público fueron la causa de su éxito. Lope encarnó en su teatro toda una serie de supuestos básicos (sentimientos monárquicos, concepto de honor, ortodoxia religiosa) de la sociedad de su tiempo, y los dotó de amenidad, intensidad y movimiento, hasta convertirlos en espectáculo).

 

Lo más destacado no es la variedad temática sino la capacidad de teatralizar, de convertir en materia teatral cualquier hecho ya sea de otros géneros literarios (obras que surgen de un poema o de historias). Lo importante es el tránsito del mundo a la escena. La materia se convierte en arte.

 

Mención aparte merece el tema del honor y la honra que puede decirse que está presente en casi todas las obras, hasta el punto de caracterizar el teatro clásico y está indispensablemente unido a él. El honor es la base de la convivencia del hombre del XVII, tal como lo presenta el teatro al menos y el hombre-personaje lucha por conservarlo o más generalmente por vengar un honor manchado.

 

Por último señalaremos el enorme caudal temático que la comedia española supuso para la historia del teatro europeo contemporáneo y posterior. El teatro francés y el  italiano tomaron prestados un buen número de temas del teatro español, con lo cual no hicieron sino repetirlos.

 

Clasificación de su obra:

 

Escena de la película El perro del hortelano

Lope es el autor más fecundo de la literatura española. 426 comedias y 42 autos. Su amigo Pérez de Montalbán afirma que llegó a escribir 1800 comedias y 400 autos. Aunque parezca una exageración se merece el calificativo de “Fénix de los ingenios” o “monstruo de la naturaleza”. Su capacidad para escribir debió de ser enorme aunque quizá fue la causa de que no haya producido una obra de la categoría de El Quijote o La vida es sueño.

 

Encontramos dentro de su producción:

 

Comedias de historia y leyenda española y extranjera Se basa en la tradición escrita y oral. Crónicas, romances, cantares que toma de España y su historia. En estas obras sobresale el tema del honor popular: El mejor alcalde, el rey, Peribañez, Fuenteovejuna. En las tres repite la misma estructura argumental. El noble abusa de su poder y se enfrenta al villano, quien guiado por su honradez y limpieza de sangre acude al rey en demanda de justicia, bien para que corrobore su venganza que ha realizado de su propia mano o para que castigue al noble que no ha sabido utilizar su poder. Monarquía y pueblo queda en armoniosa unión política y religiosa.

 

 Recordemos  la diferencia entre honor y honra vigente en la sociedad de la época. El honor estaba relacionado con la limpieza de sangre y como consecuencia con los conversos (gente con sangre mora o judía) que eran despreciados por la sociedad. El honor se heredaba. Los nobles tenían honor y también los labradores (como Peribañez), cristianos viejos de puro origen. Pero el honor podía perderse o bien por falta contra el deber personal o por faltas contra los demás. Estos casos particulares constituyen los casos de honra y ésta hay que repararla mediante una venganza fría, calculadora.

 

En definitiva, lo que interesa es mantener el orden socialmente establecido, conforme a la estructura jerárquica: Rey, nobles, caballeros, labradores.

En El mejor alcalde, el rey, Alfonso VII manda matar al noble don Tello, después de hacerle casar con la bella aldeana a la que ha ultrajado.

En Peribañez el protagonista rico mata al Comendador al saber que ha intentado ultrajar a su esposa Casilda.

En Fuenteovejuna es todo el pueblo el que mata al Comendador Fernán Gómez para  vengar la afrenta inferida por este a la joven Laurencia. Aquí serán los Reyes Católicos, los que aprueban la decisión popular.

 

En todos estos dramas el tratamiento del honor nace de leyes exteriores. El personaje dramático representa el papel impuesto por el código del honor.

Estas obras se conocen como Dramas del honor injusto.  En ellas el noble abusa de su poder y actúa injustamente.

 

Fuenteovejuna, por ejemplo, se basa en la venganza colectiva de todo un pueble  que tiene cariz histórico. Ruíz Ramón destaca las siguientes características: el contraste entre el cargo y la virtud (la conducta personal del poderoso), las dos actitudes observadas en las mujeres del pueblo, representadas por Laurencia (rebelión contra el poder del poderoso) y Pascuala (conciencia dela imposibilidad de resistirse a él).  El heroísmo que caracteriza a Fuenteovejuna que le redime del castigo merecido por la venganza que se ha tomado conduce al heroísmo de todo un pueblo. Según parte de la crítica estamos ante la  alianza entre monarquía y Pueblo como propaganda política del poder dominante

 

Alborg, por ejemplo, destaca las ideas de sentido humano y democrático: la nobleza esencial del villano y el papel de la justicia, de la monarquía que se unía al pueblo para poner fin a la secular arbitrariedad de la nobleza feudal.

 

A esta tesis se opone la de Joaquín Casalduero y Leo Spitzer que ve más que ese propósito político o revolucionario un problema metafísico o moral. La lucha de la sociedad contra el instinto individualizador y destructor. Casalduero, por su parte, niega la trascendencia ideológica, considera que lo importante es el triángulo amoroso.

 

Otra obra importante es El caballero de Olmedo que tiene un trasfondo histórico. Lope lo traslada de la época de los Reyes Católicos a la de Juan II., En esta obra el destino del caballero está regido inexorablemente por la muerte. En la génesis y elaboración artística de este drama de amor truncado, la noticia de la muerte del héroe preside la estructura de la pieza.

 

Dentro de las de historia extranjera destaca El duque de Vieso, inspirada en un suceso de la historia de Portugal. Su tema es la dificultad de administrar justicia cuando las apariencias resultan engañosas. El duque es inocente de toda traición y a pesar de ser modelo de fidelidad y patriotismo se ve perdido por una conjunción de circunstancias, entre las que destaca las sospechas que inspira al rey de Portugal, la envidia y una serie de coincidencias fatales. En este caso el rey no se comporta como tal, usa injustamente su poder porque en él puede más su individualidad de hombre que su función de rey. Causa la tragedia del vasallo y sin embargo nadie le acusa, todos callan y aceptan. Esto es fruto de la exaltación de la monarquía y la sublimación individual del Estado que es el depositario del poder supremo,

 

 

 

Comedias costumbristas como las de capa y espada: complicada intriga amorosa que se resuelve de modo feliz. Lances caballerescos, escondites: Las melindres de Belisa, El acero de Madrid, La dama boba. Son las más abundantes. Presentan ambientes selectos, ingeniosos. Personajes cortesanos, amables intrigas.

 

Comedias pastoriles y mitológicas. Sobresale en ella la importancia de la ornamentación y la música con un estilo trabajado. Belardo el furioso.

 

En sus comedias mitológicas aprovechó Lope diversos mitos de la antigüedad grecolatina, tomando la trama anecdótica para después actualizarlas según el gusto de la época. Muchas de estas obras se representaron en la corte. Así, Adonis y Venus, El Perseo, El laberinto de Creta, El vellocino de oro El marido más firme. La mitología suele aparecer idealizada. Hay bucolismo y también hacen referencia a personajes de la sociedad.

 

Obras de tema religioso

 

Autos religiosos. Los autos de Lope son un progreso sobre los del XVI pero será Calderón el que los lleve al éxito. Lope les dará un conocido lirismo por medio de poesías de tipo popular que intercala: La siega, La Adúltera perdonada, El auto de los cantares.

 

Comedias religiosas. Sobre el Antiguo Testamento: La creación del mundo. La primera culpa del hombre.

 

Sobre el Nuevo Testamento. El nacimiento de Cristo. Vida de santos, Leyendas piadosas: La buena guarda o Lo fingido verdadero.

 

Las comedias de santos. Permiten a Lope desplegar toda la gama de recursos creados por él para el teatro profano. En ellas suele moverse con soltura, pues le permiten expresar su religiosidad sencilla, emotiva. Sin complicaciones teológicas, une lo cotidiano y lo prodigioso, donde el santo vive con heroísmo y exaltación equiparables a las de un personaje épico. La niñez de San Isidro, El divino africano y El Serafín humano sobre las vidas de San Agustín y San Francisco de Asís.

 

Dentro de las leyendas piadosas destaca La buena guarda, sobre el tema de gran difusión medieval de la monja seducida que es sustituida por la virgen por lo que nadie nota la ausencia.

 

 

Repasemos ahora las características de las comedias:

 

Encontramos dentro de la producción de comedias diversos tipos. Mitológicas, pastoriles, palatinas, urbanas, picarescas. En todas imperan los conflictos ejemplares y la voluntad de encontrar vías de solución para adoctrinar al espectador mediante mecanismo de comunicación inmediata, fácil y de buscado impacto.

 

Son frescos de cuadros de costumbres de la época,  el folklore y los versos populares. El azar, la imaginación, los disfraces, las identidades ocultas, los amores secretos son la base sobre la que se sustentan.

Parten  normalmente del deseo amoroso del galán y la dama que se obstaculizado bien por la supuesta inferioridad social (La moza del cántaro), bien por el padre ( Nise, en La dama boba) o por otros pretendientes como en El perro del hortelano o la mezcla de varios ingredientes. Todos logran su propósito cuando se conoce la identidad del galán y la dama. Tenemos pues un deseo amoroso por realizar, unos obstáculos que superar,  y que normalmente rebasa la dama con su ingenio (generando un enredo) y por fin, consecución de los objetivos y boda.

 

Destacamos dentro de las comedias las rurales que plantean la corrupción ciudadana y el topos de: alabanza de la aldea/ menosprecio de la corte. Los valores que se exaltan son la virtud, la pureza de sangre, la honra, etc.

 

Técnica de Lope:

 

Se ha puesto de manifiesto que no era tan rudimentaria como se creía. Resumiendo algunos rasgos de esta técnica encontramos:

  1. Indeterminación espacial: El escenario aparece desnudo, sin prácticamente ningún elemento que caracterice el espacio.
  2. Sobriedad en el eso de la maquinaria escénica.
  3. Teatro de la palabra. Diálogos ágiles. Juegos de doble sentido.
  4. Predominio de la escena. Tres actos divididos en escenas que coinciden con la entrada y salida del  personaje.
  5. Escenas que se encadenan entre si. Hay pues un retroceso del teatro de gran aparato para adaptarse a las necesidades del corral, con lo que tramoya y maquinaria se relegan a las comedias mitológicas y de vidas de santos.

 

Concepción del mundo

 

Propaganda. No duda de los valores sociales establecidos a priori. El amor suele ser el generador de conflictos en la comedia. Aparece como un elemento todo poderoso capaz de triunfar sobre la desigualdad social. El matrimonio es la única finalidad del amor. El matrimonio es una institución: una vez llegado a ese estado, la mujer debe someterse al marido. Antes del matrimonio pertenece al padre que la anula como ser independiente. Las leyes como el Fuero Juzgo o el Fuero Real permitían matar a la mujer en caso de adulterio.

Otra constante de este teatro es la mitificación de la patria y de la Monarquía absoluta o el concepto del honor como principio de una sociedad estamental coartada ideológicamente. Cuando la opinión pública establece que el personaje ha perdido la honra se abre la necesidad de recuperarla. Lo que viene a ser el motor de  muchas intrigas.

 

Valoración de su teatro.

 

Lope conoce la fama y popularidad en vida. Sus discípulos le admiraron. No obstante, sus pretensiones de ser nombrado Cronista Real fueron denegadas.

En el Siglo XVIII su figura queda oscurecida por la de Calderón. Durante el XIX se reactiva su fama. Los románticos alemanes lo considerarán un genio, el indiscutible creador del drama nacional. Se reactiva entonces su estudio. Las investigaciones versan sobre algunos aspectos de su obra muy conocidos por la crítica, como el tema del honor o la figura del gracioso. Su teatro volvió a los escenarios en el siglo XX.

 

El ciclo de Lope de Vega

 

En cuanto a los continuadores de su dramaturgia, destacamos en primer lugar los tres centros neurálgicos del teatro de la época: Madrid, Valencia, Sevilla. En estos centros van prevaleciendo algunos autores que siguen con más asiduidad los pasos de Lope.

 

 Guillén de Castro: Evoluciona de posiciones autóctonas hacia Lope. Suele clasificarse su obra atendiendo a tres periodos. Una primera etapa prelopista, que sigue la huella de Virués  en los asuntos novelescos y efectistas (Progne y Filomena). Una segunda etapa donde destaca el magisterio de Lope. Reconoce que su fórmula es rentable. Insiste –por ejemplo-  este autor en la problemática matrimonial y en el tema de la tiranía, lo que lo individualiza de su maestro. Los malcasados de Valencia, El conde Alarcos. Una tercera etapa donde perfecciona los rasgos psicológicos y atenúa los efectos dramáticos : La fuerza de la sangre, La tragedia de los celos. Su obra maestra es Las mocedades del Cid que se apoya en los romances para exaltar al héroe y al espíritu de todo un pueblo y raza.

 

 

Pérez de Montalbán: Se reconoce en este autor a su discípulo por antonomasia. Abarca su producción los temas históricos, hagiográficos, los autos sacramentales: De un castigo dos venganzas, El segundo Séneca de España.

 

Ruiz de  Alarcón: La mayoría de sus obras se estructuran en torno a un carácter o tipo psicológico constituido por un vicio. Su concepción del honor está más cerna a los trágicos. Sus obras no gozaron de mucha popularidad en su época: La verdad sospechosa, Las paredes oyen. Destacan sus obras por el trasfondo ético de índole práctico e interesado que muchos explican por el resentimiento que le caracterizaba debido a su defecto físico. En este autor el tratamiento del honor no supone un imperativo social sino moral .

 

Mira de Amescua. Su producción tiene a veces fallos (debilidad en la trabazón del plan, escenas desconectadas, acción atropellada y compleja que puede llegar al casos), pero también tiene aciertos y rasgos personales respecto a Lope (profundidad de rasgos psicológicos, intercalado de enseñanzas morales y políticas, predilección por temas nuevos y extraños y soluciones audaces).

Escribió piezas religiosas, de las que destacan sus autos, en transición entre los de Lope y Calderón, y con alguna mayor seguridad teológica que en el Fénix. Por ejemplo escribió autos sobre el ciclo de la Navidad (Auto del Santo nacimiento intitulado, Los Pastores de Belén).

Las piezas profanas son de los mismos géneros cultivados por Lope. Por ejemplo dentro del tema nacional destaca  La desdichada Raquel sobre el tema de los amores de Alfonso VIII de Castilla con la judía Raquel.

 

Luis Vélez de Guevara. Asimiló a la perfección el sistema dramático de Lope, hasta el punto de planteársenos problemas de atribución. Sus temas preferidos son los heroicos, protagonizados por personajes nobles, de fuentes histórico-legendarias. ( Reinar después de morir, sobre los amores de doña Inés de Castro con don Pedro de Portugal)

 

Tirso de Molina: Se adelanta hacia Calderón. Destaca la claridad de su dicción, la sutileza en las descripciones psicológicas que supera a Lope, la precisión ideológica. Reflexiona sobre la nobleza y defiende la igualdad. Sus personajes femeninos presentan mayor grandeza y muestran un espíritu independiente (La prudencia en la mujer). Su teatro es una reflexión irónica de las convenciones y usos sociales: El vergonzoso de Palacio, El burlador de Sevilla, El Condenado por desconfiado, Don Gil de las calzas verdes

 

Bibliografía

 

Alborg, Juan Luis: Historia de la literatura española, II, Época Barroca. Madrid. Gredos 1973.

 

Ruiz Ramón, Francisco: Historia del Teatro Español ( Desde sus orígenes hasta 1900) Madrid, Cátedra, 1981

Sánchez Romeralo, Antonio (editor) : Lope de Vega: el teatro, I y II, “El escritor y la crítica”, Madrid, 1989. Con artículos de Parker, Reichenberger, Gilman, Menéndez Pidal, Montesinos, A. Castro, Díez Borquez, Menéndez Pelayo, Casalduero, Spitzer, Bataillon, Rico...

 

Wardropper, Bruce W. Siglos de Oro: Barroco, en F. Rico, historia y crítica de la literatura española, Barcelona, crítica, 1983.

-Wilson, E. M y Moir, D: Historia de la literatura española, 3: Siglo de oro: teatro. Barcelona, Ariel 1974.

 

 

{
}
{
}

Comentarios El "Fenix de los ingenios": Teatro de Lope de Vega II

Interesante... está algo largo de leer, pero muy instructivo, no me canso de creer que la vida y las experiencias que se narran en ellas, es la mejor inspiración para grandes obras.... y bueno solo llegué hasta 
La intriga es fundamental y el objeto del autor es mantenerlo hasta el final 

 Y me ha gustado mucho...te felicito querida Ághata, porque si no fuera por tí no sabría de la existencia de éste hombre...me gustan tus notas...!!

Saludos y abrazos
Mariau Illescas

Y si Dios quiere...no volveré a darme ésta perdida...
pero es culpa de los exámenes y de química, que está sacando sus garras...ah y sin olvidar los largos ensayos que he tenido que hacer para Lengua...
Me despido de una vez...
Muy interesante amiga, es un estudio en profundidad de nuestro brillante Lope, claro que es tan expléndido y toca tantos temas que de fuerza ha de ser largo y dada su prodigalidad le llamaron así "El fénix de los ingenios". Te felicito porque das a conocer al mundo tan brillante autor. Merece la pena. Abrazos.
Gracias amiga, tenía una capacidad genuina para transformar en materia literaria todo lo que tocaba.
Besos

Deja tu comentario El "Fenix de los ingenios": Teatro de Lope de Vega II

Identifícate en OboLog, o crea tu blog gratis si aún no estás registrado.

Avatar Tu nombre

Los comentarios de este blog están moderados. Es posible que éstos no se publiquen hasta que hayan sido aprobados por el autor del blog.